Le portrait et son double au Metropolitan Museum : au cœur des cours princières de la Renaissance (texte original en français avec résumé en italien).

di Philippe PREVAL

Le Metropolitan Museum de New York consacre une exposition à un sujet méconnu mais passionnant, les portraits à doubles faces.

Dans ces œuvres, de dimension généralement réduite, l’image du modèle était dissimulée par un couvercle peint, fixé par une charnière ou coulissant dans une boîte ou encore, présentée dans un format double face. Les revers ou les « couvercles » de ces petits portraits privés étaient ornés d’emblèmes, d’épigrammes, d’allégories et de scènes mythologies ayant valeur d’énigme ou de rébus. Ils célébraient le personnage dont ils introduisaient le portrait. Certaines de ces images profanes comptent parmi les plus inventives de la Renaissance. Le spectateur devait décoder la signification des symboles avant de soulever, glisser ou retourner l’image pour contempler le visage situé dessous ou derrière. L’usage de ces portraits était divers. Certains étaient destinés à la diplomatie ou à la propagande, d’autres permettaient de dissimuler l’identité d’un amoureux ou de porter son message… En ceci, ces œuvres doivent être mises en relation non seulement avec les médailles par nature double face, mais aussi avec une constellation d’autres pratiques comme les dons de livres enluminés qui eux-mêmes comportaient souvent le portrait du donateur, la littérature épistolaire ou la poésie de court dont l’usage n’a disparu qu’au XVIIe siècle.

Bel exemple de portrait double face, l’œuvre de Jacometto Veneziano (Metropolitan Museum, New York), spécialiste du genre en quelque sorte, présente d’un côté le grand humaniste Pietro Bembo et de l’autre des vers d’Horace (Odes 1, 13) dont Bembo possédait un exemplaire dans sa bibliothèque. Ce poème qui commence par des reproches du poète jaloux à sa maitresse Lydia, s’achève par une exaltation de l’amour dont les liens ne se dissolvent qu’avec la mort.

Felices ter et amplius / quos inrupta tenet copula nec malis / divolsus querimoniis / suprema citius solvet amor die

Heureux trois fois et plus encore / Ceux qu’unit un lien indissoluble  / Et que ne séparera pas avant le dernier jour / Un amour insensible aux méchantes querelles

Présent à sa bien aimée par son image, le poète l’est également par les vers de son lointain confrère.

Assez étonnement, cette pratique qui s’est manifesté tout au long de la renaissance en Italie, en particulier à Venise, comme dans les pays du Nord de l’Europe, y a pris deux chemins très différents. Au nord, la « face B » est généralement ornée d’armoiries, de devises, de rébus. C’est ce qui est mis en place pour ce beau portrait de François d’Este de l’atelier de Rogier van der Weyden (Metropolitan Museum, New York) dont le revers comporte les armoiries de ce Bâtard de la grande maison italienne qui résidait alors dans le duché de Bourgogne.

Au sud en revanche, la mythologie est souvent présente, ce qui donne beaucoup plus de profondeur aux œuvres et permet des harmonies beaucoup plus riches. On connait l’importance de Florence et de l’Italie en général (Venise, Rome, Padoue…) dans la « réinvention » de la littérature antique et c’est sans doute ce qui explique la prévalence de la mythologie et plus généralement de la culture classique dans ces représentations. C’est également en Italie que les symboles et emblèmes, souvent issus d’anciennes images mythologiques, ont été progressivement codifiés. L’exposition présente d’ailleurs une édition française du Livre des emblèmes (Emblemata) d’Andrea Alciato (Paris, 1536) qui fut édité dans toute l’Europe.

Cette exposition qui est la première du genre, permet à certains portraits, de retrouver leur parèdre, dont ils sont séparés depuis des siècles. C’est le cas du portrait supposé de Giovanna de Rossi de Lorenzo Lotto du musée de Dijon, réuni avec l’allégorie du musée de Washington, représentant la vertu ou la chasteté, victorieuse des vices (deux satyres) sous la protection de l’amour (divin).

Quelques grands peintres ont contribué à ces réalisations : Rogier van der Weyden, Hans Memling et Lucas Cranach au nord, Lorenzo Lotto et Titien au sud. Ce dernier est représenté par plusieurs œuvres dont un célèbre dessin peut être préparatoire à une allégorie pour un double portrait et une peinture en grisaille qui couvrait un portrait perdu et qui représente l’Amour essayant de maîtriser la roue de la Fortune.

Avec une soixantaine d’œuvres, l’exposition apporte un éclairage significatif sur la nature intime et personnelle de ces ensembles tridimensionnels et portables, portraits conçus comme des objets interactifs et dévoile un pan de l’intimité des cours princières de la renaissance.

Philippe PREVAL   Paris  14 Juillet 2024

Versione Italiana

Il ritratto e il suo doppio al Metropolitan Museum

Il Metropolitan Museum di New York dedica una mostra a un soggetto poco conosciuto ma affascinante, i ritratti double face. In queste opere, generalmente di piccole dimensioni, l’immagine del modello era nascosta da una copertura dipinta, fissata da una cerniera scorrevole in una scatola o presentata in formato bifacciale. I rovesci o “coperchi” di questi piccoli ritratti privati ​​erano decorati con stemmi, epigrammi, allegorie e scene mitologiche aventi valore di enigma o di rebus che celebravano il personaggio ritratto. Alcune di queste immagini secolari sono tra le più creative del Rinascimento. Lo spettatore doveva decodificare il significato dei simboli prima di sollevare, far scorrere o girare l’immagine per contemplare il volto sottostante o dietro. L’uso di questi ritratti era vario. Alcuni avevano finalità diplomatiche o propagandistiche, altri permettevano di nascondere l’identità di un amante o di portare il suo messaggio … Queste opere devono essere messe in relazione non solo con medaglie che sono per loro natura bifacciali, ma anche con una serie di altre pratiche come le donazioni di libri miniati che spesso includevano il ritratto del donatore, vedi  la letteratura epistolare o poesia di corte il cui uso scomparve solo nel XVII secolo.

Bell’esempio di ritratto double-face, l’opera di Jacometto Veneziano (Metropolitan Museum, New York), per certi versi specialista del genere, presenta da un lato il grande umanista Pietro Bembo e da un lato versi di Orazio (Odi 1, 13 ) di cui Bembo aveva una copia nella sua biblioteca. Questa poesia, che inizia con i rimproveri del poeta geloso alla sua amante Lidia, si conclude con un’esaltazione dell’amore i cui legami si sciolgono solo con la morte.

Felice tre volte e più / Quelli uniti da un legame indissolubile / E che non si separeranno prima / dell’ultimo giorno / Un amore insensibile ai brutti litigi

Presente all’amata attraverso la sua immagine, il poeta è presente anche attraverso i versi del suo lontano collega. In modo abbastanza sorprendente, questa pratica che si manifestò durante tutto il Rinascimento in Italia, in particolare a Venezia, come nei paesi del Nord Europa, prese due strade molto diverse. A nord, il “lato B” è generalmente decorato con stemmi, motti e rebus. Questo è ciò che viene messo in atto per il bellissimo ritratto di Francesco d’Este della bottega di Rogier van der Weyden (Metropolitan Museum, New York) sul cui rovescio figura lo stemma di questo Bastardo della grande casata italiana che risiedeva allora nel Ducato di Borgogna.

Nel sud, invece, è spesso presente la mitologia, che dà molto più spessore alle opere e consente armonie molto più ricche. Conosciamo l’importanza di Firenze e dell’Italia in generale (Venezia, Roma, Padova, ecc.) nella “reinvenzione” della letteratura antica e questo è senza dubbio ciò che spiega la prevalenza della mitologia e più in generale della cultura classica in queste rappresentazioni. Fu anche in Italia che simboli ed emblemi, spesso derivati ​​da antiche immagini mitologiche, furono progressivamente codificati. La mostra presenta anche un’edizione francese del Libro degli Stemmi (Emblemata) di Andrea Alciato (Parigi, 1536) che fu pubblicata in tutta Europa.

Questa mostra, la prima nel suo genere, permette ad alcuni ritratti di ritrovare il loro partner, dal quale sono stati separati per secoli. È il caso del presunto ritratto di Giovanna de Rossi di Lorenzo Lotto del museo di Digione, unito all’allegoria del museo di Washington, che rappresenta la virtù o castità, vittoriosa sui vizi (due satiri) sotto la protezione dell’amore (divino).

Alcuni grandi pittori contribuirono a queste realizzazioni: Rogier van der Weyden, Hans Memling e Lucas Cranach nel nord, Lorenzo Lotto e Tiziano nel sud. Quest’ultimo è rappresentato da diverse opere tra cui un famoso disegno che potrebbe essere preparatorio ad un’allegoria per un doppio ritratto e un dipinto a grisaglia che copriva un ritratto perduto e che rappresenta Amore che tenta di dominare la ruota della Fortuna.

Con una sessantina di opere, la mostra getta una luce significativa sulla natura intima e personale di questi set tridimensionali e portatili, ritratti pensati come oggetti interattivi e rivela una parte dell’intimità delle corti principesche del Rinascimento.